Adieux et remerciements

Une décennie se termine et une autre commence. Après avoir tenu la barre de ce blog pendant près de huit ans et demi, après 420 critiques de CD répartis sur une trentaine d'années (exception faite d'un album lancé en 1967 par The Beatles), après une multitude de conneries qui se sont écrites sous ma plume, il est temps pour moi de passer à autre chose... Il n'y aura donc plus jamais de critiques ou de messages sur ce blog. Vous lisez présentement l'ultime message que j'ai écrit avant que la nouvelle décennie ne débute. C'est la conclusion et le point final d'une odyssée certes fantastique mais qui devait se terminer un jour. J'aimerais donc vous faire mes adieux ainsi que mes remerciements à tous ceux qui ont lu des critiques sur mon blog. Mais vous savez quoi? Les anciennes critiques demeureront néanmoins accessibles pour l'éternité, soit jusqu'à temps que Blogger existera... Pour rassasier la curiosité des nouveaux lecteurs qui découvriront ce blog en retard!

Post-sriptum:
En terminant, j'ai pensé qu'il serait judicieux de fournir la liste des principales disparitions d'artistes dans le monde de la musique populaire. Ce sont les deux cents plus grands artistes pop à nous avoir quittés depuis que le commencement du siècle (n'oubliez pas que notre siècle a débuté en 2001 et non pas en 2000).
*De cette liste sont exclus les artistes québécois francophones.


- Voici 200 décès de musiciens populaires depuis le début du siècle.

1. 2001.II.19 Charles Trenet
2. 2001.IV.15 Joey Ramone (Ramones)
3. 2001.V.12 Perry Como
4. 2001.VI.21 John Lee Hooker
5. 2001.VIII.25 Aaliyah
6. 2001.III.18 John Phillips (The Mamas & The Papas)
7. 2001.VI.30 Chet Atkins
8. 2001.VII.27 Leon Wilkeson (Lynyrd Skynyrd)
9. 2001.XI.29 George Harrison
10. 2001.XII.18 Gilbert Bécaud
11. 2002.I.21 Peggy Lee
12. 2002.II.13 Waylon Jennings
13. 2002.IV.5 Layne Staley (Alice In Chains)
14. 2002.IV.25 Left Eye (TLC)
15. 2002.VI.5 Dee Dee Ramone (Ramones)
16. 2002.VI.27 John Entwistle (The Who)
17. 2002.X.30 Jam Master Jay (Run DMC)
18. 2002.XII.22 Joe Strummer (The Clash)
19. 2003.I.12 Maurice Gibb (Bee Gees)
20. 2003.IV.21 Nina Simone
21. 2003.VII.4 Barry White
22. 2003.IX.12 Johnny Cash
23. 2003.IX.26 Robert Palmer
24. 2004.III.4 Claude Nougaro
25. 2004.VI.10 Ray Charles
26. 2004.VII.22 Sacha Distel
27. 2004.VII.23 Serge Reggiani
28. 2004.VIII.6 Rick James
29. 2004.VIII.26 Laura Branigan
30. 2004.IX.15 Johnny Ramone (Ramones)
31. 2004.XI.13 Ol' Dirty Bastard
32. 2004.XII.8 Dimebag Darrell (Pantera)
33. 2005.VII.1 Luther Vandross
34. 2005.VIII.26 Denis Piggy D'Amour (Voïvod)
35. 2006.I.6 Lou Rawls
36. 2006.I.19 Wilson Pickett
37. 2006.VI.6 Billy Preston
38. 2006.VII.7 Syd Barrett (Pink Floyd)
39. 2006.XII.25 James Brown
40. 2007.I.19 Denny Doherty (The Mamas & The Papas)
41. 2007.XI.19 Kevin DuBrow (Quiet Riot)
42. 2007.XI.28 Fred Chichin (Les Rita Mitsouko)
43. 2007.XII.14 Ike Turner
44. 2008.II.13 Henri Salvador
45. 2008.III.2 Jeff Healey
46. 2008.VI.2 Bo Diddley
47. 2008.VIII.10 Isaac Hayes
48. 2008.IX.15 Rick Wright (Pink Floyd)
49. 2008.XII.25 Eartha Kitt
50. 2009.I.6 Ron Asheton (The Stooges)
51. 2009.II.4 Lux Interior (The Cramps)
52. 2009.III.14 Alain Bashung
53. 2009.VI.25 Michael Jackson
54. 2009.IX.16 Mary Travers (Peter, Paul and Mary)
55. 2009.XII.28 Jimmy « The Rev » Owen Sullivan (Avenged Sevenfold)
56. 2010.I.1 Lhasa de Sela
57. 2010.I.13 Teddy Pendergrass
58. 2010.I.18 Kate McGarrigle
59. 2010.III.13 Jean Ferrat
60. 2010.IV.8 Malcolm McLaren
61. 2010.IV.14 Peter Steele (Type O Negative)
62. 2010.V.16 Ronnie James Dio
63. 2010.V.24 Paul Gray « The Pig » (Slipknot)
64. 2010.V.30 Ali-Ollie Woodson (The Temptations)
65. 2010.VI.6 Marvin Isley (The Isley Brothers)
66. 2010.VI.7 Stuart Cable (Stereophonics)
67. 2010.VI.23 Pete Quaife (The Kinks)
68. 2010.X.10 Solomon Burke
69. 2010.X.20 Ari Up (The Slits)
70. 2010.XII.17 Captain Beefheart
71. 2010.XII.30 Bobby Farrell (Boney M)
72. 2011.II.6 Gary Moore
73. 2011.III.15 Nate Dogg (213)
74. 2011.III.21 Loleatta Holloway
75. 2011.VI.11 Seth Putnam (Anal Cunt)
76. 2011.VII.23 Amy Winehouse
77. 2011.VII.24 Dan Peek (America)
78. 2011.VIII.11 Jani Lane (Warrant)
79. 2011.X.8 Mikey Welsh (Weezer)
80. 2011.XI.8 Heavy D
81. 2011.XII.17 Cesária Évora
82. 2012.I.20 Etta James
83. 2012.II.11 Withney Houston
84. 2012.II.29 Davy Jones (The Monkees)
85. 2012.V.4 Adam Yauch (Beastie Boys)
86. 2012.V.17 Donna Summer
87. 2012.V.20 Robin Gibb (Bee Gees)
88. 2012.VI.4 Herb Reed (The Platters)
89. 2012.VII.16 Jon Lord (Deep Purple)
90. 2012.VII.31 Tony Sly (No Use For A Name)
91. 2012.VIII.18 Scott McKenzie
92. 2012.XII.11 Ravi Shankar
93. 2012.XII.26 Fontella Bass
94. 2013.I.1 Patti Page
95. 2013.II.4 Reg Presley (The Troggs)
96. 2013.II.16 Tony Sheridan (The Beat Brothers)
97. 2013.II.18 Damon Harris (The Temptations)
98. 2013.II.18 Kevin Ayers (Soft Machine)
99. 2013.II.27 Richard Street (The Temptations)
100. 2013.III.6 Alvin Lee (Ten Years After)
101. 2013.IV.26 George Jones
102. 2013.V.1 Chris « MacDaddy » Kelly (Kris Kross)
103. 2013.V.2 Jeff Hanneman (Slayer)
104. 2013.V.20 Ray Manzarek (The Doors)
105. 2013.V.23 Georges Moustaki
106. 2013.VII.26 J.J. Cale
107. 2013.X.10 Jan Kuehnemund (Vixen)
108. 2013.X.27 Lou Reed
109. 2014.I.3 Phil Everly (The Everly Brothers)
110. 2014.II.25 Paco de Lucía
111. 2014.III.15 Scott Asheton (The Stooges)
112. 2014.III.31 Frankie Knuckles
113. 2014.IV.27 DJ EZ-Rock
114. 2014.VII.11 Tommy Ramone (Ramones)
115. 2014.VII.16 Johnny Winter
116. 2014.X.25 Jack Bruce (Cream)
117. 2014.XI.1 Wayne Static (Static-X)
118. 2014.XII.22 Joe Cocker
119. 2015.I.25 Demis Roussos
120. 2015.IV.14 Percy Sledge
121. 2015.IV.19 Richard Anthony
122. 2015.IV.30 Patachou
123. 2015.IV.30 Ben E. King
124. 2015.V.14 B.B. King
125. 2015.VI.9 James Last
126. 2015.VI.27 Chris Squire (Yes)
127. 2015.XI.9 Andy White
128. 2015.XI.10 Allen Toussaint
129. 2015.XI.11 Phil « Philty Animal » Taylor (Motörhead)
130. 2015.XII.3 Scott Weiland (Stone Temple Pilots)
131. 2015.XII.28 Guru Josh
132. 2015.XII.28 Lemmy Kilmister (Motörhead)
133. 2015.XII.31 Natalie Cole
134. 2016.I.2 Michel Delpech
135. 2016.I.10 David Bowie
136. 2016.I.18 Glenn Frey (Eagles)
137. 2016.I.24 Jimmy Bain (Dio)
138. 2016.I.28 Paul Kantner (Jefferson Airplane)
139. 2016.II.4 Maurice White (Earth, Wind & Fire)
140. 2016.III.8 George Martin
141. 2016.III.11 Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer)
142. 2016.IV.6 Merle Haggard
143. 2016.IV.21 Prince
144. 2016.IV.24 Billy Paul
145. 2016.VI.28 Scotty Moore
146. 2016.IX.24 Buckwheat Zydeco
147. 2016.XI.7 Leonard Cohen
148. 2016.XI.15 Bob Walsh
149. 2016.XII.7 Greg Lake (King Crimson et Emerson, Lake & Palmer)
150. 2016.XII.25 George Michael
151. 2017.I.19 Loalwa Braz (Kaoma)
152. 2017.I.31 John Wetton (King Crimson et Asia)
153. 2017.II.12 Al Jarreau
154. 2017.III.10 Joni Sledge (Sister Sledge)
155. 2017.III.16 James Cotton
156. 2017.III.18 Chuck Berry
157. 2017.V.9 Robert Miles
158. 2017.V.17 Chris Cornell (Soundgarden)
159. 2017.V.27 Gregg Allman (The Allman Brothers Band)
160. 2017.VI.20 Prodigy (Mobb Deep)
161. 2017.VII.20 Chester Bennington (Linkin Park)
162. 2017.VIII.8 Glen Campbell
163. 2017.X.2 Tom Petty
164. 2017.X.17 Gord Downie (The Tragically Hip)
165. 2017.X.24 Fats Domino
166. 2017.XI.18 Malcolm Young (AC/DC)
167. 2017.XII.6 Johnny Hallyday
168. 2018.I.4 Ray Thomas (The Moody Blues)
169. 2018.I.7 France Gall
170. 2018.I.10 « Fast » Eddie Clarke (Motörhead)
171. 2018.I.15 Dolores O'Riordan (The Cranberries)
172. 2018.II.1 Dennis Edwards (The Temptations)
173. 2018.IV.6 Jacques Higelin
174. 2018.IV.20 Avicii
175. 2018.V.7 Maurane
176. 2018.VI.13 D. J. Fontana
177. 2018.VI.22 Vinnie Paul (Pantera)
178. 2018.VIII.16 Aretha Franklin
179. 2018.IX.7 Mac Miller
180. 2018.IX.12 Rachid Taha
181. 2018.IX.27 Marty Balin
182. 2018.X.1 Charles Aznavour
183. 2018.XII.6 Pete Shelley (Buzzcocks)
184. 2019.I.26 Michel Legrand
185. 2019.II.21 Peter Tork (The Monkees)
186. 2019.II.24 Mac Wiseman
187. 2019.II.25 Mark Hollis (Talk Talk)
188. 2019.III.4 Keith Flint (The Prodigy)
189. 2019.III.22 Scott Walker
190. 2019.IV.24 Dick Rivers
191. 2019.V.13 Doris Day
192. 2019.VI.6 Dr. John
193. 2019.VII.6 João Gilberto
194. 2019.VII.16 Johnny Clegg
195. 2019.VIII.19 Larry « The Mole » Taylor (Canned Heat)
196. 2019.IX.13 Eddie Money
197. 2019.IX.15 Ric Ocasek (The Cars)
198. 2019.X.6 Ginger Baker (Cream)
199. 2019.XII.9 Marie Fredriksson (Roxette)
200. 2019.XII.18 Alain Barrière

THE JINGLE CATS - Meowy Christmas

Il y a environ un quart de siècle, quelque chose d'immense est arrivé dans le monde de la musique. Est-ce le suicide de Kurt Cobain? Ou l'arrivée du punk dans la sphère mainstream avec The Offspring et Green Day? Rien de tout cela. Ce dont je parle, c'est bien sûr la parution en 1993 de l'album Meowy Christmas par The Jingle Cats! Il s'agit d'un canular prétendant offrir vingt mélodies de Noël chantées... par des chats! Bien sûr, ce sont des miaulements enregistrés puis reproduits par des synthétiseurs grâce à des touches de clavier pour les différentes hauteurs des notes. À cause de la technologie de 1993, The Jingle Cats nous chantent Noël comme s'ils étaient des prodiges de la musique! Évidemment, il a fallu aussi que les chiens s'en mêlent eux aussi car on y retrouve également des aboiements! Le protagoniste de cette mauvaise farce s'applique vraiment avec minutie et professionnalisme afin de produire ce qu'il juge être de la musique de qualité. Il aurait peut-être mieux valu pour lui de se concentrer sur l'exactitude des divers minutages inscrits à côté des titres à l'endos de son album car plusieurs sont carrément erronés! De toute façon, l'idée de faire sonner des animaux en musique n'est pas entièrement nouvelle car je me souviens d'une certaine Symphonie des jouets attribuée jadis à un certain Leopold Mozart (l'attribution est aujourd'hui contestée). On retrouve dans ce chef-d'œuvre (je fais ici de l'ironie) toute la gamme des jouets imitant des cris d'oiseaux... Le résultat est fort peu édifiant et d'ailleurs, on ne peut guère comparer Leopold Mozart avec son fils ou avec Ludwig van Beethoven. Certains évoqueront également le Carnaval des animaux de Camille Saint-Saëns... mais on s'éloigne du sujet. Comme le créneau animalier en musique classique est propice à l'inspiration des compositeurs et arrangeurs, il n'est donc guère étonnant que The Jingle Cats croisent le fer avec certaines œuvres classiques du répertoire, notamment Jesu, Joy Of Man's Desiring de Johann Sebastian Bach, Ode To Joy de Ludwig van Beethoven et des extraits de la suite The Nutcracker de Piotr Ilitch Tchaïkovski dont Waltz Of The Flowers est le bouquet (sans jeu de mots) sur cet album éminemment... décoratif. Je me demande ce qu'aurait pensé les contemporains de Tchaïkovski de ce sacrilège... Imaginez, Tchaïkovski se fait miauler le ballet! Quant à Beethoven, il doit se retourner dans sa tombe d'entendre pareilles inepties... C'est d'autant plus vrai qu'il était sourd. En outre, le choix de l'instrumentation pour Meowy Christmas laisse parfois perplexe. Ode To Joy est repris à l'orgue alors que le traditionnel Oh Come All Ye Faithful est interprété... à l'harmonica. Avec The Jingle Cats, je vous assure qu'on n'est pas à un scandale près. Avec vingt morceaux, ça tire vraiment dans toutes les directions. J'ai même découvert de la nouvelle musique à l'audition médusée de Meowy Christmas. En effet, des chansons comme Up On The Housetop ou encore Go Tell It On The Mountain échappaient à ma culture musicale. Pourtant, j'avais déjà entendu Go Tell It On The Mountain sur l'album A Carnegie Hall Christmas Concert (voir ma critique de A Carnegie Hall Christmas Concert du 15 décembre 2018). Sûrement que le massacre de cette pièce musicale par ces chats de gouttières ne m'ont pas permis de reconnaître la précieuse mélodie...! Bref, je dois donc vertement dénoncer cette exploitation des animaux, chatons et chiots, qui ont contre leur gré participé à cette mascarade musicale qu'est Meowy Christmas! Je crois bien que je vais téléphoner à la Société Protectrice Canadienne des Animaux (SPCA) pour signaler l'abus qu'ont subi The Jingle Cats, de la même façon qu'on a abusé du bébé Jordy avec la chanson Dur, dur d'être bébé! à la même époque que la parution de Meowy Christmas... Oui, les années '90 furent fécondes en sottises musicales en tous genres. Vous souvenez-vous de la macarena?

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 0/20

RADIOHEAD - Kid A

Dans ma critique de l'album Amnesiac de Radiohead qui remonte à près de sept ans en arrière, j'avais écrit à propos de Kid A "que je n'ai pas encore critiqué cet album mais surveillez mon blog car j'en ferai peut-être la critique dans les prochaines années à venir" (voir ma critique de Amnesiac du 26 janvier 2013). Outre le fait qu'il s'agisse d'un malheureux pléonasme, ce sont des paroles qui m'ont hanté pendant plusieurs années. Il était temps que je passe à l'acte et que je me décide à critiquer ce monument. Kid A de Radiohead est donc l'album que j'ai choisi de critiquer cette semaine. L'album paru en l'an 2000 est en effet intimidant, tout comme OK Computer qui est paru en 1997 mais que je n'ai pas eu le courage de critiquer (je doute d'ailleurs que je le fasse un jour). Que dire de Kid A? Il s'agit certes d'un changement drastique de direction musicale après OK Computer qui lui-même était un changement drastique de direction musicale après The Bends. Radiohead aime les changements drastiques parce que Thom Yorke et sa bande sont de vrais artistes et ne sont pas là pour empocher vulgairement de l'argent ou obtenir du succès et de la popularité. On pourrait dire aussi que l'album est déroutant et difficile d'approche mais tout cela est évident et déjà connu. Les pièces électroniques comme Everything In Its Right Place, la pièce-titre Kid A, la magnifique Treefingers qui évoque pour moi une œuvre picturale de Mark Rothko (1903-1970) ou encore le "single" Idioteque ne sont pas aussi révolutionnaires qu'elles en ont l'air, quoiqu'elles soient révolutionnaires dans l'art de Radiohead qui nous avait plutôt présenté jusqu'alors du rock intelligent (certains diraient du prog rock à la Pink Floyd). Il y a pourtant du rock aussi, par exemple Optimistic qui est la plus conventionnelle de l'album ou bien ce fatras cacophonique ironiquement intitulé The National Anthem dont le début rock vire vite au free-jazz. L'exploit réel de Kid A réside donc en fait dans l'audace de Radiohead à déjouer tous les pronostics. Kid A n'a rien d'innovateur pour le rock mais qu'est-ce que Radiohead pouvait bien faire après OK Computer? C'était le geste artistique qu'il fallait poser. C'est avec Kid A et non pas OK Computer que Radiohead prouve qu'il fait de l'art. C'est un album éclaté aux styles contradictoires mais qui paradoxalement se tient ensemble comme une magistrale œuvre de la peinture. L'album Kid A débute en fait avec les pièces électroniques Everything In Its Right Place et Kid A, ce qui a confondu une certaine presse spécialisée qui aime s'égosiller et s'entendre parler mais qui n'a rien compris à l'art de Kid A, un peu comme ce fut le cas des contemporains de Vincent van Gogh (1853-1890). Car il faut le dire même si c'est évident, les morceaux de cet album sont extraordinaires. Comment ne pas frissonner en entendant How To Disappear Completely avec ses violons dans le suraigu? Comment ne pas s'extasier à l'audition des envolées de harpe sur Motion Picture Soundtrack? C'est évident que Kid A est un chef-d'œuvre. Plusieurs pièces de Kid A annonce déjà les albums à venir, à commencer par Amnesiac évidemment qui n'est qu'une séquelle de l'intense laboratoire que fut Kid A, bien que Amnesiac ne soit pas du tout à la hauteur d'un chef-d'œuvre tel que Kid A. Au fait, Morning Bell sera repris sur Amnesiac mais l'originale figure sur Kid A. Il s'agit donc d'un album visionnaire, en avance sur son temps malgré qu'il n'apporte rien de neuf. C'est un paradoxe évident. Sa beauté défie les conventions de l'Art et déjoue les bien-pensants qui croient que toute la musique devrait ressembler à du Coldplay. Que dire de plus sur Kid A? Il y aurait tant à dire qu'il n'y a rien à ajouter. C'est l'évidence même.

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 20/20

NINE INCH NAILS - The Downward Spiral

Ça faisait longtemps que je n'avais écouté The Downward Spiral. Cet album-culte des années '90 a véritablement marqué son époque et m'avait fortement ébranlé à sa parution le jour de mes vingt ans, le 8 mars 1994. Comme bien des jeunes de ce temps-là, c'était mon album quand j'avais envie d'avoir des frissons. C'était le genre d'album psychologiquement perturbé pour goûter à des sensations étranges, un peu comme 1000 Fires de Traci Lords (voir ma critique de 1000 Fires du 19 mai 2012) mais cent fois pire. C'était vraiment un album très controversé dans l'ancien temps. Trent Reznor, le musicien qui fait à peu près tout derrière le nom de Nine Inch Nails, y aborde des sujets sensibles comme Dieu, la douleur et la sexualité. Le tout est rendu musicalement avec une charge de violence et de défoulement sur fond d'atmosphère glauque et trouble. Ça faisait donc longtemps que je n'avais écouté cet album et étonnamment je n'ai pas du tout ressenti la même chose que quand j'étais jeune. Alors que mes souvenirs me rappellent à quel point j'étais effrayé ou que je me défoulais quand j'entendais The Downward Spiral, je trouve maintenant, avec l'évolution musicale que j'ai parcourue jusqu'à mon âge adulte actuel, que c'est un album presque cérébral. Certes, à cause de son style rock industriel, je décrirais The Downward Spiral comme étant une version plus tordue et agressive de Depeche Mode. Mais Nine Inch Nails semble pratiquer une distanciation émotionnelle qui s'apparente à une sorte de froideur intellectualisée. Je ne voyais pas cela quand j'étais jeune et con. The Downward Spiral, c'est donc de l'art rock avant d'être du rock industriel. D'ailleurs, Trent Reznor semble se servir du rock industriel pour dire ce qui l'anime au lieu de vouloir nous faire un autre album de rock industriel. Paradoxalement, The Downward Spiral est peut-être le meilleur album industriel de tous les temps. C'est en tout cas un des meilleurs albums des années '90, au même titre que OK Computer de Radiohead ou que Nevermind de Nirvana (voir ma critique de Nevermind du 15 octobre 2011). Pour être honnête, je le trouve même plus passionnant que OK Computer... On est scotché sur notre siège et on se demande ce que Nine Inch Nails va nous sortir à chaque nouvelle chanson pendant l'écoute de cet album. Ma préférée est Heresy même s'il n'y a pas eu de clip pour cette pièce. Il n'empêche que j'ai eu aussi bien du plaisir dans les années '90 à chanter le refrain "I wanna fuck you like an animal" extrait de Closer... Le clip censuré de la chanson est d'ailleurs un petit bijou artistique, un de mes clips favoris des années '90 avec Violet de Hole et The Hearts Filthy Lesson de David Bowie. Ce n'est toutefois rien à comparer avec le clip masochiste et ultra-violent pour la pièce Happiness In Slavery que l'on retrouve sur le EP Broken de Nine Inch Nails, possiblement le clip le plus controversé de toute l'Histoire de MTV! Quant à Hurt qui termine magnifiquement l'album The Downward Spiral, sa reprise par Johnny Cash sur l'album American IV: The Man Comes Around a décuplé sa popularité déjà grandiose (voir ma critique de American IV: The Man Comes Around du 24 novembre 2018). Bref, inutile d'insister: il faut avoir écouter The Downward Spiral de Nine Inch Nails au moins une fois dans sa vie. C'est l'un des albums les plus captivants et étonnants de toute l'Histoire du rock. Son originalité, son audace, sa violence en font un must qui transcende le rock industriel et même le rock tout court pour s'imposer comme un classique indémodable de l'Histoire de la Musique. Trent Reznor y atteint le génie en plus de faire un doigt d'honneur bien senti à la bienséance des bien-pensants...

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 19/20

THE NIGEL KENNEDY QUINTET - Shhh!

Je n'ai pas l'habitude de faire la critique d'albums de jazz. En fait, le seul album jazz qui me vienne en tête est cet album de Noël avec le trompettiste Wynton Marsalis, soit le fameux A Carnegie Hall Christmas Concert (voir ma critique de A Carnegie Hall Christmas Concert du 15 décembre 2018). Je ne suis pas non plus un grand connaisseur de jazz (comme tout le monde, j'ai déjà écouté Kind Of Blue de Miles Davis et je possède quelques albums de Glenn Miller) mais je suis tombé en amour avec l'album Shhh! que nous a offert le violoniste Nigel Kennedy avec son nouveau quintette de jazz trié sur le volet. Nigel Kennedy, enfant terrible de la musique classique avec un look punk controversé et des interprétations décapantes (on lui doit notamment une version ébouriffante des Quatre Saisons d'Antonio Vivaldi (1678-1741)), a sans surprise été attiré par le jazz et fondé The Nigel Kennedy Quintet dont l'album Shhh! est le résultat. L'esthétique de bande dessinée que l'on peut voir ici ainsi que la photographie à l'intérieur de l'album où tous les membres de ce quintette très particulier grimpent sur une voiture accoutrés avec des gilets sportifs de son équipe de football préféré (d'ailleurs, la mention AVFC que l'on peut lire sur la couverture signifie Aston Villa F.C.) font bien sûr partie de l'image rebelle de Nigel Kennedy qui se sent visiblement mal à l'aise avec le conservatisme qui sévit dans le milieu de la musique classique. On est ici en effet très loin de Yehudi Menuhin... Cet album Shhh! a donc été enregistré il y a exactement une décennie, en novembre 2009, mais l'album n'est paru bien sûr que l'année suivante, en juin 2010 (certains "fake news" avancent la date de 2009 pour la parution de Shhh! mais ne les croyez pas). Comme je l'ai déjà mentionné, je ne m'y connais que peu ou prou en jazz mais j'ai tout de même fort apprécié Shhh! qui est très facile d'approche, même pour un néophyte comme moi. Je dirais même qu'il est fort accrocheur, avec des structures musicales simples mais redoutablement efficaces. D'ailleurs, on a même la participation d'une star de la pop à l'ensemble puisque Boy George en personne, fameux chanteur excentrique de la formation Culture Club des années '80, nous interprète River Man de l'artiste maudit Nick Drake. Entre musiciens au look excentrique, Boy George et Nigel Kennedy doivent bien se comprendre! C'est une très belle version de River Man même si, ou peut-être justement pour cette raison, on ne reconnaît pas la voix de Boy George sur ce titre. Ailleurs, on a droit à du jazz assez tranquille comme c'est le cas par exemple de la pièce-titre, ou alors à des morceaux plus enlevés comme l'incroyable Oy! qui termine l'album du Nigel Kennedy Quintet sur une note électrisante, le mot est faible! C'est que Nigel Kennedy sort son violon électrique et nous livre un morceau virtuose et énergique qui tient plus du hard rock que du jazz! Ne cherchez pas Vivaldi ici, vous n'en trouverez pas...! Oy! est tout simplement provocant d'un point de vue classique ou même jazz. Nigel Kennedy n'est pas Stéphane Grappelli et nous le fait savoir, ça c'est clair! Quel toupet! Le violon électrique tient une grande place sur Shhh! et il est manifeste que Nigel Kennedy n'a rien à envier à Apocalyptica, groupe dont j'ai déjà critiqué de nombreux albums (vous pouvez retrouver mes critiques d'albums du groupe Apocalyptica en entrant ce nom dans le moteur de recherche de mon blog si le violoncelle électrique vous intéresse). Bref, The Nigel Kennedy Quintet semble s'adresser avant tout au mélomane de rock qui s'y connaît peu en jazz mais qui désire découvrir ce genre musical, ce qui est mon cas, puisque le fameux violoniste semble vouloir avec Shhh! démocratiser le jazz en le rendant accessible et accrocheur au plus grand nombre. Pour sa musicalité, son approche simple et facile, son énergie et son outrecuidance, Shhh! par The Nigel Kennedy Quintet est un album que je recommande absolument.

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 16/20

LIAM LYNCH - Fake Songs

Avant les "fake news" de Donald Trump, il y avait les "fake songs" de Liam Lynch. Ce joyeux luron a fait paraître son album de facéties et de pastiches le jour du Poisson d'avril en 2003, à une époque où l'on avait bien besoin de rire après les attentats du 11 septembre 2001 et pendant la Guerre en Irak. Fake Songs est donc un album humoristique de 20 morceaux, en plus d'un DVD en bonus où Liam Lynch y va de parodies tordantes et de sketches de son propre cru. Sur le CD audio, on retrouve notamment de fausses chansons de Björk, David Bowie, Pixies, Depeche Mode et Talking Heads. Tous les styles de la culture populaire y passent, du disco avec Sugar Walkin' (qui fait bien sûr penser aux Bee Gees) au rap old school avec Rapbot, et surtout le glam rock et le hard rock des années '70. On a même droit à un satyre des prédicateurs religieux américains avec Electrician's Day où le protagoniste finit électrocuté par Dieu, un numéro absolument hilarant. Dans les circonstances, il est difficile de ne pas comparer Liam Lynch avec "Weird Al" Yankovic. Mais Liam Lynch a ceci de particulier que son album Fake Songs bénéficie du support de personnalités prestigieuses, dont un duo avec le célèbre comédien et musicien Jack Black pour Rock And Roll Whore et surtout Ringo Starr (oui, vous avez bien lu) pour deux chansons, soient Cuz You Do ainsi que Try Me! Il est difficile de croire que Ringo Starr ait collaboré avec Liam Lynch mais la portion DVD montre bien que les deux performent ensemble et que ce n'est donc pas une blague. Fake Songs culmine avec la chanson punk United States Of Whatever, une pure merveille qui a aussi produit un clip où l'on voit Liam Lynch déconner un peu comme le fera plus tard librement Billie Eilish dans son clip Bad Guy qu'on retrouve sur l'album When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (voir ma critique de When We All Fall Asleep, Where Do We Go? du 28 septembre 2019). United States Of Whatever est plus qu'une chanson humoristique, c'est une vraie chanson punk (la seule de l'album d'une certaine façon) qui s'écoute avec plaisir et ravissement. C'est ma chanson préférée de Fake Songs, avec d'autres que j'affectionne particulièrement comme Electrician's Day, Horny Kind Of Love et la pièce qui termine fort bien cet album totalement loufoque, Sir Track. Bref, Fake Songs est plus qu'une curiosité, c'est un album vraiment cool et rafraîchissant, un petit bijou à l'humour désopilant et irrésistible. Si Fake Songs de Liam Lynch ne vous met pas un sourire sur le visage, alors vous êtes quelqu'un de vraiment funeste...

COTE D'APPRÉCIATION PRRSONNELLE: 16/20

MY MORNING JACKET - Evil Urges

Je n'ai pas l'habitude de critiquer des albums remontant avant les années '90 mais avec l'album Evil Urges de la formation My Morning Jacket originaire du Kentucky, je me devais de vous en parler. En fait, je triche car Evil Urges est paru en 2008. Comme il est extrêmement inspiré par les années '70, je considère toutefois que c'est un album de cette époque... À part la chanson Highly Suspicious qui fait penser au tube Word Up! de Cameo paru dans les années '80 ainsi que Remnants qui évoque pour moi l'indie rock des années '90, tout l'album de My Morning Jacket aurait pu voir le jour dans les années '70. Evil Urges passe en revue tout ce qui était cool durant cette décennie, de David Bowie à Fleetwood Mac, et il est difficile d'imiter mieux les styles courants des années '70 que ce dont est capable My Morning Jacket. Lorsque j'ai acheté l'album il y a quelques années, je ne savais pas à quoi m'attendre. Le visuel de l'album me donnait l'impression d'un groupe de rock alternatif excentrique des années 2000 mais j'ai vite été dérouté à l'écoute de la musique fortement nostalgique de My Morning Jacket! On peut dire que Evil Urges était un ovni musical dans le paysage discographique de la fin de la décennie 2000 alors plus intéressée par la pop des années '80 que par le son des années '70. Il a même été en compétition aux Grammy Awards avec In Rainbows de Radiohead, faut le faire! Bien sûr, c'est tout de même In Rainbows qui a gagné (voir ma critique de In Rainbows du 14 janvier 2012). C'est donc un très bon album, notamment ma pièce favorite sur Evil Urges étant Librarian, un morceau vraiment touchant et magnifique. On compte quatorze pistes sur l'album mais il faut savoir que Good Intentions qui ferme l'album ne dure que cinq secondes! Ce n'est évidemment pas une vraie chanson. En outre, la pièce Touch Me I'm Going To Scream est scindée en deux parties, une au début et une autre à la fin, comme ça se faisait dans les années '70. Je ne saurais dire du mal de Evil Urges, excepté qu'il ressemble parfois un peu trop à un pastiche et qu'on aimerait davantage d'originalité. Ce qui a été fait dans les années '70 était certes vraiment cool mais on n'a pas besoin de copier cette décennie au 21e siècle de façon aussi scrupuleuse. Après tout, on a encore accès à la musique de cette époque, ce n'est pas comme si on l'avait oubliée et qu'on ne pouvait plus écouter les albums de ce temps-là. My Morning Jacket nous rappelle néanmoins à quel point c'était le bon temps... Souhaitons donc un retour au plus vite de cette décennie dans le Top 40 mondial avec des chansons pop ou rock à la mode influencées par les années '70! Yeah baby! The seventies are back!!

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 16/20

PETER BJORN AND JOHN - Writer's Block

La formation Peter Bjorn And John est composée, comme son titre l'indique, de Peter, de Björn et de John. Quoi de plus simple pour se trouver un bon nom de groupe?! C'est comme Emerson, Lake And Palmer ou bien encore Crosby, Stills, Nash And Young! Vraiment, c'est pas sorcier à comprendre, il me semble! Le fameux trio suédois a connu le succès avec son album Writer's Block en 2006, surtout à cause de la fort belle chanson pop indie Young Folks. Qui n'a point fredonné la mélodie sifflée de Young Folks dans les années 2000? J'ai donc été interessé d'écouter Writer's Block mais j'ai été affreusement désappointé. Young Folks est la meilleure chanson de l'album et la seule qui mérite de l'attention, avec tout de même en seconde position Let's Call It Off. Quand j'ai écouté l'album pour la première fois, je me suis dit en effet: "Non mais putain, c'est quoi cette musique de merde?"... Cela en dit long sur la première impression que j'ai eu de Peter, Bjorn And John. Par exemple, Up Against The Wall est une longue pièce répétitive de sept minutes où il ne se passe pratiquement rien. C'est un peu la même chose pour Roll The Credits, qui dure six interminables minutes et demie. La musique est simpliste, répétitive et sent l'amateurisme. C'est du moins ce que j'en pensais avant de persévérer lors de multiples autres écoutes attentives, car j'aime donner la chance aux artistes de me convaincre de leur propos. Puis la lumière fut. Un peu comme c'est le cas de White Blood Cells, un album de la formation The White Stripes que j'avais d'abord détesté, puis réhabilité (voir ma critique de White Blood Cells du 2 février 2013), j'ai fini par sauter par-dessus mes préjugés envers l'amateurisme de cet album que je croyais calamiteux pour écouter vraiment ce qui se passe sur Writer's Block. En quelque sorte, c'est un peu comme la peinture post-impressionniste de Vincent Van Gogh (1853-1890), anti-académique de par son refus du pompiérisme qui sévissait en Europe au XIXe siècle, son rejet de la technique au profit de l'émotion pure: le minimalisme dans les moyens utilisés par Peter Bjorn And John ne l'empêche pas d'exprimer son art mais au contraire exacerbe l'expressionisme de sa musique hautement révolutionnaire... Bref, c'est pas mal bon. Je ne suis pas totalement convaincu, spécialement pour ce qui est des trois pistes en bonus de cet album de treize morceaux (la pièce-titre qui introduit Writer's Block n'est pas une chanson et ne dure qu'une quinzaine de secondes), All Those Expectations étant une pièce passablement inepte à mon avis, mais Objects Of My Affection est l'objet de mon affection pour son côté grandiose, Let's Call It Off est irrésistiblement accrocheuse (je préfère la version originale à celle qui se retrouve dans les pistes en bonus avec un traitement plus électronique) et Young Folks démontre de l'originalité. Je ne suis pas encore rendu à crier au génie comme c'est le cas d'une certaine presse spécialisée friande de ce genre de pop indie, mais j'ai quand même fini par trouver de l'intérêt pour Writer's Block, comme c'est aussi le cas maintenant de White Blood Cells. Je parle de ces deux albums car dans ma tête, ils se ressemblent beaucoup. Par exemple, la chanson Poor Cow de Peter, Bjorn and John pourrait vraiment avoir été composée par The White Stripes pour White Blood Cells. C'est l'amateurisme et le simplisme dans leur plus éminente expression. C'est donc aussi logique que je décerne la même cote d'appréciation à Writer's Block qu'à White Blood Cells. C'est une cote appréciable mais tout de même modérée. Vais-je continuer de faire remonter Writer's Block dans mon estime au fur et à mesure que je me livrerai à des écoutes supplémentaires? C'est possible que je finisse par regretter ma cote pour Writer's Block, comme je regrette déjà celle de White Blood Cells...

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 16/20

SUFJAN STEVENS - Illinois

Il n'est pas clair si l'album s'intitule simplement Illinois ou plutôt Come On Feel The Illinoise. Bien sûr, Come On Feel The Illinoise est une allusion à la chanson Cum On Feel The Noize du groupe Quiet Riot (la version originale est cependant redevable au groupe Slade mais c'est une autre histoire). C'est à peu près tout ce qui unit Sufjan Stevens à Quiet Riot car on est loin ici, avec Illinois, du heavy metal des années '80...! Comme il est indiqué que l'album de Sufjan Stevens s'intitule Illinois sur les côtés du boîtier de mon CD, je vais utiliser le titre Illinois tout simplement. C'est en effet le sujet principal de cet album où les paroles tournent autour de cet état américain. Sufjan Stevens n'était pas à ses premières armes lors de la parution de Illinois en 2005 puisqu'il s'agit du cinquième album de l'artiste. C'est un album fort long et fort complexe (il dure près d'une heure et quart), aussi je ne passerai pas en revue les 22 titres que compte cet album extrêmement ambitieux. De toute façon, plusieurs de ces titres ne sont même pas des chansons (c'est le cas notamment de A Short Reprise For Mary Todd, Who Went Insane, But For Very Good Reasons ou encore One Last "Whoo-hoo!" For The Pullman) et ne durent que quelques secondes, alors que les vraies chansons font parfois six minutes. Mentionnons que les titres des 22 pistes sont souvent humoristiques et interminables, un peu comme c'était le cas des deux albums emo From Under The Cork Tree de Fall Out Boy ainsi que A Fever You Can't Sweat Out de Panic! At The Disco (voir ma critique de From Under The Cork Tree du 15 septembre 2018 et de A Fever You Can't Sweat Out du 22 septembre 2018), parus d'ailleurs la même année que Illinois, comme quoi c'était dans l'air du temps. Pourtant, Illinois n'a rien d'emo non plus. La musique de Sufjan Stevens est éminemment originale, du moins pour la musique pop. Illinois est une sorte de croisement étrange entre l'indie rock des années 2000 et le minimalisme de Philip Glass! On retrouve sur Illinois toutes sortes d'instruments utilisés normalement dans la musique classique et il n'y a à peu près pas de guitare électrique (sauf pour The Man Of METROPOLIS Steals Our Hearts). Malgré l'apparent humour de Sufjan Stevens, il y a des pièces vraiment graves et sérieuses sur son album, notamment JOHN WAYNE GACY, JR. ainsi que THE SEER'S TOWER. Le reste est passablement jubilatoire ou extatique, parfois contemplatif, toujours intense. Il est seulement dommage qu'en raison de son esthétique minimialiste, Illinois soit quelque peu répétitif. Ce n'est toutefois qu'une question de goût personnel; on ne saurait remettre en doute le haut niveau de qualité de cet album étonnant. Il est assez évident que Illinois de Sufjan Stevens soit un des meilleurs albums de sa décennie, au même niveau que In Rainbows de Radiohead ou de n'importe quel album de Björk. Quiconque s'intéresse au folk ou à la pop indie des vingt dernières années se doit d'avoir écouté Illinois au moins une fois dans sa vie. C'est un album si riche et complexe que je ne puis développer mon argumentation davantage: cela serait effectivement trop long pour le format de ce blog. Allez écouter Illinois de Sufjan Stevens mais soyez avisé qu'il n'est pas facile pour une première écoute: il faut persévérer au-delà de la première impression, comme c'est souvent le cas de la musique classique. On est alors grandement récompensé...

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 18/20

ATOMS FOR PEACE - Amok

Atoms For Peace, c'est bien sûr le projet parallèle de Thom Yorke, leader incroyable de la formation Radiohead, qui s'est adjoint entre autres les services de Flea, autre incroyable musicien de la formation Red Hot Chili Peppers, pour la parution de l'unique album du groupe, un opus intitulé Amok en 2013. Comme il s'agit d'un projet particulier un peu à part, je m'attendais à être dépaysé par Amok. À ma grande surprise, je me suis plutôt retrouvé en terrain familier: Amok poursuit simplement le travail commencé avec In Rainbows (voir ma critique de In Rainbows du 14 janvier 2012) mais de façon encore plus poussée. On assiste alors à une radicalisation de l'esthétique déployée sur In Rainbows, où la mélodie cède le pas à des rythmiques sophistiquées et des harmonies envoûtantes. L'apport du bassiste Flea est dans ce contexte primordial en réussissant à s'intégrer totalement à la conception d'ensemble de Thom Yorke. On a alors de petits motifs à la basse et aux percussions qui sont répétés inlassablement avec de légers écarts et de petites variations, évitant ainsi la monotonie de formules mécaniques en introduisant de l'humain dans l'œuvre de Atoms For Peace. Le résultat est un album beaucoup plus complexe qu'il n'y paraît de prime abord, qui se révèle seulement après plusieurs écoutes successives. On découvre alors plein de menus détails qui passent inaperçus lors des premières écoutes, le résultat sonore étant tout bonnement magique et vraiment séduisant. Cette conceptualisation stylistique fait en sorte que les neuf morceaux de l'album Amok forment un ensemble fort homogène où ils ont tendance à se ressembler. C'est assurément l'album de Thom Yorke qui présente le plus d'unité. Certains pourraient argumenter à l'effet que Atoms For Peace ressemble trop à la production courante de Thom Yorke. Il est vrai, comme je viens de le mentionner, que l'on est pas trop dépaysé avec Amok si on connaît bien l'œuvre du chanteur de Radiohead, en particulier In Rainbows dont Amok n'est que la suite logique. On pourrait même se faire l'avocat du diable et avancer que bien des groupes ont plagié Radiohead, comme c'est manifestement le cas de Muse dont je critiquais l'album Showbiz plus tôt ce mois-ci (voir ma critique de Showbiz du 12 octobre 2019), et qu'avec Amok, on a véritablement Thom Yorke... qui se copie lui-même. Il ne faudrait pourtant pas croire que Thom Yorke s'assied sur ses lauriers avec Atoms For Peace, même si on pouvait aspirer à davantage d'expérimentation et de bizarreries musicales de sa part. Il faut prendre Amok d'Atoms For Peace pour ce qu'il est, c'est-à-dire un simple jalon dans l'évolution artistique de Thom Yorke. Il n'y a certes pas de grandes différences entre Radiohead et Atoms For Peace mais pourquoi s'en plaindre? Quand c'est bon, c'est bon. Le mélomane amateur de Radiohead devrait donc jeter une oreille attentive à l'album Amok que nous a présenté Atoms For Peace, un incontournable quant à moi de la discographie de Thom Yorke qui semble être incapable de nous faire un mauvais album (quoique Pablo Honey n'était pas non plus très excellent mais ce n'était qu'une œuvre de jeunesse), la qualité étant bien sûr encore au rendez-vous de cet autre passionnant chapitre dans l'histoire de ce génie singulier qu'est Thom Yorke.

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 18/20

THRICE - Vheissu

Si l'ami Thom Yorke se décidait enfin à nous faire un album hardcore, ça nous donnerait Vheissu de Thrice. Ce n'est pas peu dire! Oui, le style post-hardcore qu'emprunte Thrice sur son album Vheissu paru en 2005 est influencé par le son de Radiohead, ainsi que par celui d'un groupe que j'aime beaucoup, Alexisonfire. C'est du moins mon avis mais il faut l'écouter pour pouvoir juger. Allez donc écouter cet album magnifique, à l'émotion manifeste où le chanteur semble à la fois accablé et tourmenté. C'est un album que je n'attendais pas, le post-hardcore offrant rarement de la profondeur comme c'est le cas ici avec Vheissu. Quand j'ai entendu l'album pour la toute première fois, je suis tombé en bas de ma chaise! Bon, je me suis ressaisi depuis, alors je peux maintenant témoigner de la qualité des mélodies et de l'inspiration générale pour ce qui est peut-être mon album post-hardcore préféré. Il n'y a absolument rien à jeter sur cet album de Thrice, juste des chansons poignantes aux mélodies envoûtantes qui ne vous quittent plus. On est hanté par cet album pendant plusieurs jours après l'écoute de celui-ci et il s'agit d'un des meilleurs albums des années 2000, tout styles confondus. Il y a des pièces agressives qui cognent dur comme on est en droit de s'attendre d'un groupe de hardcore, par exemple Image Of The Invisible qui démarre l'album en trombe ou encore Hold Fast Hope qui est la plus violente, mais aussi des pièces plus douces comme Atlantic qui semble anticiper par ses sonorités aquatiques sur ce qui sera l'album suivant de Thrice, l'excellent The Alchemy Index Vols. I+II (voir ma critique de The Alchemy Index Vols. I+II du 23 juillet 2016). Mes chansons favorites de Vheissu sont toutefois Like Moths To Flame qui évoque pour moi la musique de Deftones ainsi que Of Dust And Nations dont le riff incroyable de la guitare rappelle Alexisonfire (j'ai déjà critiqué plusieurs albums d'Alexisonfire sur ce blog alors vous pouvez faire une recherche rapide pour les lire). Malgré sa musique douloureuse, l'album Vheissu de Thrice se termine par la belle chanson Red Sky qui change de tonalité en son centre pour quelque chose de majeur plein d'espoir, comme quoi il y a finalement de la lumière au bout du tunnel. Ce n'est pas toujours le cas de Radiohead, il faut bien se l'avouer. En outre, Vheissu est bien plus original que l'album Showbiz de Muse que je critiquais la semaine dernière et qui copiait allègrement Radiohead (voir ma critique de Showbiz du 12 octobre 2019). Bref, pour son inspiration, sa profondeur, sa charge expressive et son style unique, il ne fait guère de doute dans mon esprit qu'il faille que je le recommande pour vos oreilles, histoire de se mettre un peu de qualité dans sa matière grise. J'ai adoré Vheissu de Thrice et même si The Alchemy Index Vols I+II sera encore plus original, il appert néanmoins que cet opus paru en 2005 est certainement un des plus beaux cadeaux musicaux qui nous ait été offerts de Thrice grâce à l'inspiration qu'aura suscité Radiohead chez les groupes qui ont suivi OK Computer.

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 17/20

MUSE - Showbiz

Radiohead aura fait bien des émules. On n'a qu'à penser à Coldplay par exemple. Le plus représentatif toutefois est certainement Muse. On retrouve sur l'album Showbiz de Muse, paru en 1999 après la sortie de The Bends en 1995 et OK Computer en 1997, à peu près tout ce qui a fait la gloire de Radiohead dans les années '90. En fait, Showbiz présente le mélange parfait entre les structures musicales parfaites de The Bends et le pathos émotionnel de OK Computer, s'adressant directement aux fans du groupe de Thom Yorke. S'il est plus qu'évident que les albums The Bends et OK Computer de Radiohead aient influencé Matthew Bellamy, leader et cerveau de Muse, à la composition de son premier album Showbiz, cela n'enlève rien au fait qu'il soit talentueux et fort intelligent. Showbiz est en effet un album inspiré et très bien construit, avec des trouvailles musicales intéressantes. On a sur Showbiz la voix magnifique de Matthew Bellamy, au point où je dirais qu'il chante mieux que Thom Yorke, la richesse des accords déployant un travail harmonique peu courant dans le rock, des structures musicales aussi solides que sur The Bends, la ligne de la basse déliée et mise bien en avant, l'intensité des émotions qui donnent de la substance à l'album, l'instrumentation qui sonne et donne du style, bref il y a presque tout. Que manque-t-il alors à Showbiz? De l'originalité. Showbiz est l'album de Muse qui colle le plus au style de Radiohead, au point où cela en est gênant. C'est du plagiat pur et simple d'un groupe génial qui essaie de ressembler à un autre groupe génial. Peut-on vraiment blâmer Muse de vouloir copier pour son premier album le groupe de l'heure à la fin des années '90? Après tout, il faut bien commencer quelque part et il est normal d'avoir des modèles dans le monde de l'art. Ludwig van Beethoven (1770-1827) a bien copié les styles de Mozart et Haydn au début de sa carrière. Le problème est que Muse ne parviendra à prendre ses distances de Radiohead qu'à partir de son... quatrième album. Oui, ce n'est qu'avec Black Holes And Revelations en 2006 que Muse se trouvera enfin un style qui lui soit propre, même si des bribes et restants de Radiohead soient encore perceptibles. La musique classique jouera alors un rôle prépondérant dans l'évolution ultérieure de Muse. Écouter Showbiz après avoir entendu les autres albums de Muse donne à penser que le groupe de Matthew Bellamy était encore en gestation en 1999. C'est un bon album mais Muse fera bien mieux par la suite. Il n'empêche qu'il soit tout de même supérieur à Pablo Honey selon moi (voir ma critique de Pablo Honey du 12 novembre 2011), ce qui explique la cote que je lui décerne ici. J'adore Muse, c'est un de mes groupes préférés des vingt dernières années mais Showbiz a un style trop générique et collé sur Radiohead pour qu'il soit parmi mes meilleurs albums de rock des années '90. Je préfère nettement OK Computer, ça c'est certain!

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 15/20

HOZIER - Wasteland, Baby!

Je n'ai pas l'habitude de faire la critique d'albums de rhythm 'n' blues et de gospel ou à tout le moins d'albums inspirés par ce type de musique que les Noirs ont inventé. C'est peut-être parce que je suis un Blanc. C'est aussi le cas de Hozier: c'est un Blanc mais qui fait de la musique afro-américaine. Son succès radiophonique improbable Take Me To Church, issu de son album homonyme de 2014, est en fait rien de moins que du "gospel progressif", si ce style se peut. Cinq ans plus tard, il nous revient avec Wasteland, Baby! qui est bien plus accessible que l'album Hozier. L'influence de la musique noire s'y fait sentir plus que jamais (écoutez l'ouverture de l'album avec la chanson Nina Cried Power en duo avec la légende Mavis Staples) et j'aime tellement Hozier que je ne pouvais passer sous silence son nouvel album Wasteland, Baby! paru il y a à peine sept mois, en mars 2019. Je ne suis donc pas très à l'aise de commenter cet album parce que je suis un Blanc, le seul exemple d'album de musique noire que j'aie critiquée et qui me vient en tête étant peut-être Mama Said de Lenny Kravitz, une critique que j'ai écrite il y a plus de huit ans, aux débuts de ce blog musical (voir ma critique de Mama Said du 10 septembre 2011)! Certes, Mama Said était assez épatant pour que je m'en aperçoive et Wasteland, Baby! est presque aussi bon à mon avis. Je ne m'y connais peut-être pas vraiment dans le domaine mais il faut que je vous parle de Wasteland, Baby! qui est un de mes meilleurs albums de 2019! D'accord, il est moins original que Mama Said et moins audacieux que l'album Hozier mais l'engagement, la sincérité et le sérieux demeurent. Hozier est un artiste profond, substantiel, presque sévère, la chanson extraite de son album qui s'avère la plus enjouée étant possiblement To Noise Making (Sing). Elle est toutefois immédiatement suivie par la plus sérieuse et profonde de l'album, As It Was.  Le ton n'est pas à la rigolade, croyez-moi. Ma favorite de Wasteland, Baby! est cependant Dinner & Diatribes qui est la moins conventionnelle de l'album. Par contre, Sunlight est une chanson que je trouve un peu ennuyeuse à cause de son côté répétitif. Le ton péremptoire et insistant de cette pièce de Hozier ont tout de même fini par me convaincre. Il n'y a donc aucune mauvaise chanson sur Wasteland, Baby! et beaucoup de pièces réussies. C'est un album inspiré, digne de la qualité et de la ferveur de la musique noire, même si Hozier est un chanteur irlandais. Il est vrai qu'on retrouve sur son album aussi du folk, de l'indie rock, bref de la musique organique vraiment bien faite. Certains esprits chagrins, des sots évidemment, argumentent à l'effet qu'il ne se fait plus de bonne musique de nos jours. Qu'ils aillent donc écouter l'album Wasteland, Baby! de Hozier au lieu de geindre platement... Si ça ne les convainc pas du contraire, alors qu'ils périssent en Enfer!

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 16/20

BILLIE EILISH - When We All Fall Asleep, Where Do We Go?

C'est peut-être le meilleur album de l'année. Avec son album When We All Fall Asleep, Where Do We Go? paru il y a six mois, Billie Eilish (que je surnomme affectueusement Billie Hellish) frappe fort, très fort. C'est d'autant plus vrai que la jeune auteure-compositrice-interprète n'avait que 17 ans au moment de la parution de son album, ce qui signifie qu'elle était encore mineure à ce moment-là! C'est incroyable. Les critiques dithyrambiques ont fusé de toutes parts, le concert d'éloges allant jusqu'à comparer l'album de Billie Eilish avec le mythique Nevermind de Nirvana pour son côté révolutionnaire...! La jeune sensation de l'heure nous a certes offert un étonnant album fort rafraîchissant et substantiel mais je ne dresserais pas personnellement un parallèle avec Nevermind, le style musical grunge de Nirvana n'ayant de toute façon aucun rapport avec When We All Fall Asleep, Where Do We Go? qui est beaucoup plus électro-pop, voire hip hop dans sa conception (voir ma critique de Nevermind du 15 octobre 2011). C'est néanmoins un bel hommage et c'est vrai que Billie Eilish nous arrive avec un album qui peut paraître révolutionnaire pour certains. Elle s'écarte en tout cas de la pop préfabriquée superficielle et interchangeable qui joue à la radio par les temps qui courent. Il y a une véritable profondeur chez Billie Eilish, un mélange inédit de noirceur et de douceur qui fait merveille sur un album tel que When We All Fall Asleep, Where Do We Go? et qu'on ne peut guère retrouver ailleurs. Billie Eilish fait montre véritablement d'originalité, le clip pour son plus gros tube, la pièce Bad Guy qui a quand même réussi à trouver des stations commerciales pour y être diffusée, nous la présentant comme une fille insolente et fantasque qui est libre de faire ce qui lui plaît. Elle n'apparaît pas dans le clip Bad Guy comme une chanteuse pop à l'image lisse et léchée, convenue et sexualisée, contrairement aux autres chanteuses pop à la mode. C'est d'ailleurs peut-être un des clips les plus féministes que l'on ait vus, les autres chanteuses qui se revendiquent du néo-féminisme n'offrant la plupart du temps que des clichés et des stéréotypes faussement féministes dans l'industrie de la musique. Billie Eilish n'essaie pas d'être belle et sexy, elle est plutôt un petit trublion qui fait la pluie et le beau temps. Ça c'est révolutionnaire! Mais de là à comparer When We All Fall Asleep, Where Do We Go? avec Nevermind, cela me semble tout de même abusif. Un peu comme Radiohead où une certaine presse spécialisée ne peut en dire du mal sans jurer, il est manifeste que Billie Eilish aussi semble être à l'abri de critiques négatives à son sujet. Bref, il est impossible de dire du mal de cette artiste de génie sans avoir l'air fou, ce qui me semble fort malheureux car il faut toujours et incessamment pourfendre les bien-pensants et la pensée magique déjà toute faite qui circule sur les réseaux sociaux. Billie Eilish est talentueuse, oui, mais elle n'est quand même pas Thom Yorke, ni Kurt Cobain d'ailleurs. Sa valeur artistique est surestimée et sa cote de popularité est surfaite. En somme, j'ai adoré ce premier album de Billie Eilish mais je n'ai pas perdu connaissance, ni tombé dans les pommes. Il reste maintenant à voir si elle saura résister et tenir tête aux conglomérats capitalistes afin de ne pas être récupérée par l'industrie musicale, sa collaboration avec Justin Bieber pour un remake de Bad Guy étant assez inquiétante...  En attendant de voir ce qu'elle fera, When We All Fall Asleep, Where Do We Go? de Billie Eilish est malgré tout mon album préféré à être paru en 2019... même si l'année n'est pas encore terminée!

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 17/20

TWENTY ONE PILOTS - Blurryface

Le rock est mort. Ça ne veut pas dire que ce soit la fin de la musique. Bien des groupes d'aujourd'hui continuent de faire de la musique, inspirés par d'autres influences que le rock. C'est décidément le cas de Twenty One Pilots qui a enfin connu la célébrité avec la parution de son album Blurryface en 2015. Il était temps que le monde se réveille car il s'agit du quatrième album studio du groupe! Ce qui prouve qu'avec de la persévérance, le talent finit toujours par payer. Car il faut bien le dire, Twenty One Pilots est un groupe indubitablement talentueux. Sa maîtrise des différents styles qu'il utilise dans sa musique est manifeste sur un album tel que Blurryface, alliant pop, hip hop et reggae avec intelligence et créativité. Twenty One Pilots parvient à s'ingérer dans la mouvance rock en réquisitionnant le rap comme nul ne sait aussi bien le faire. Un peu comme Imagine Dragons qui nous a créé un chef-d'œuvre des temps modernes avec son album Smoke + Mirrors lui aussi paru en 2015 (voir ma critique de Smoke + Mirrors du 13 juillet 2019), Twenty One Pilots prouve avec Blurryface que le rock n'est pas indispensable pour réaliser un album marquant de l'Histoire de la musique. C'est encore plus vrai avec Trench, l'album qui succédera à Blurryface, où Twenty One Pilots confine au génie, rien de moins. La facilité avec laquelle le groupe parvient à mélanger les genres sur son album Blurryface, le naturel de sa démarche artistique et la pertinence du propos expliquent largement son succès commercial. On connaît surtout Twenty One Pilots pour sa chanson Stressed Out, larguée dans les médias de masse telle une bombe de musique dangereusement accrocheuse, mais il y a d'autres pièces encore meilleures sur l'album, notamment l'impressionnante Fairly Local ou alors l'émouvante Goner qui termine l'album avec profondeur. Tout l'album est d'ailleurs parcouru par une angoisse existentielle dans les paroles qui dénote la sincérité de Twenty One Pilots dans son art. J'aime personnellement beaucoup Lane Boy qui nous rappelle à quel point le reggae est un style sous-estimé. C'est toujours bon du reggae, spécialement quand c'est Twenty One Pilots qui en a composé. Je ne ferai pas la liste exhaustive de toutes les quatorze chansons de cet album certes généreux car ce serait trop long, sachez simplement qu'il n'y a pas de temps mort et qu'on ne s'y ennuie jamais. C'est un des meilleurs albums de la décennie, même s'il a été surclassé depuis par Trench en 2018. Blurryface est plus accessible que Trench, aussi vaut-il mieux débuter par lui avant d'aborder l'autre. On pourra alors écouter d'autres succès du groupe, dont Ride ou encore Tear In My Heart. Quoi qu'il en soit, Twenty One Pilots est un de mes groupes préférés par les temps qui courent. Avec son album rap Blurryface, Twenty One Pilots se classe véritablement parmi les meilleurs groupes rock du moment, avec ses nouveaux acolytes qui définissent le son d'aujourd'hui comme Imagine Dragons et Portugal. The Man!

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 16/20

VAMPIRE WEEKEND - Father Of The Bride

Il est plutôt rare que je fasse la critique d'albums récents sur ce blog, la plupart du temps ce sont des albums qui datent déjà d'une dizaine d'années. Il est encore plus rare que je fasse la critique d'un album paru la même année que ma critique; en fait, cela est arrivé... zéro fois. C'est donc une première pour Father Of The Bride, paru plus tôt cette année, le vendredi 3 mai 2019. Cet album de Vampire Weekend mérite que je fasse exception à la règle car il est en fait si extraordinaire que je ne pouvais patienter davantage pour vous en parler. Ce groupe est habitué à recevoir des fleurs de la part de la presse spécialisée mais ne m'avait jamais totalement convaincu. Avec Father Of The Bride cependant, Vampire Weekend vise en plein dans le mille. C'est que leur nouveau son s'éloigne de l'afropop de leurs premiers albums pour adopter une démarche artistique beaucoup plus orienté vers l'indie rock. L'extrême richesse des arrangements instrumentaux, au son organique méticuleusement travaillé, se combine à l'inventivité mélodique et à l'originalité de ton pour produire un des meilleurs albums de cette année! D'une certaine façon, Father Of The Bride de Vampire Weekend rappelle White Blood Cells par The White Stripes (voir ma critique de White Blood Cells du 2 février 2013). La variété des styles et la créativité musicale sont selon moi assez similaire. On a plein de petits moments excitants sur Father Of The Bride, un album généreux qui comporte dix-huit chansons! Pour tout vous dire, je n'avais pas été emballé par White Blood Cells au début mais avec le recul et la maturité, je le considère bien meilleur que ce que j'en avais pensé dans ma critique de 2013. Je lui décernerais probablement une cote différente aujourd'hui. Il est vrai que je n'ai pas toujours porté The White Stripes dans mon cœur. Parfois, je relis mes anciennes critiques et je les trouve franchement navrantes par leur négativisme car j'ai grandement évolué depuis et mon opinion a changé. Ce ne sera toutefois pas le cas de Father Of The Bride que j'ai immédiatement adoré et adopté! Peut-être que je vais un jour aimé aussi Contra mais je ne suis pas encore rendu là. Cela fait en sorte que Father Of The Bride est donc présentement mon album préféré de Vampire Weekend... C'est comme si le groupe s'était réinventé. On retrouve même des moments plus graves et plus sombres comme la chanson My Mistake par exemple alors que Vampire Weekend était plutôt ensoleillé sur leur premier album homonyme. Ça donne une toute nouvelle profondeur au groupe, moi qui n'aime pas toujours les albums trop radieux. Bref, Father Of The Bride de Vampire Weekend est définitivement un des albums qui m'a le plus impressionné dans les six derniers mois. Courez pour aller l'acheter tout de suite!

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 17/20

THE BLACK KEYS - Turn Blue

Il y a deux manières d'envisager le blues à notre époque: soit on est flamboyant et histrionique comme The White Stripes (allez donc écouter leur fantastique album Icky Thump pour vous en convaincre facilement (voir ma critique de Icky Thump du 7 juillet 2012)), soit on s'exprime avec plus de retenue si l'on est introverti comme le groupe The Black Keys. L'extraversion chez The White Stripes et l'introversion chez The Black Keys sont parfaitement antinomiques et également complémentaires. Même leurs noms de scène sont en opposition! J'ai fait la critique de nombreux albums pour The White Stripes mais jamais pour The Black Keys. J'ai donc choisi, pour remédier à cette injustice, l'album Turn Blue parce qu'il est mon préféré, même si en fait tous les albums du fameux groupe originaire de l'Ohio sont excellents. C'est aussi leur plus récent au moment d'écrire ces lignes, si l'on fait exception de leur tout nouvel album encore chaud intitulé Let's Rock et paru au mois de juin dernier. Je ne peux faire la critique de Let's Rock pour la simple raison que je ne l'ai pas encore acheté et que je ne le connais pas. Par contre, je connais Turn Blue qui est paru en 2014 puisque je l'ai souvent écouté. C'est l'album le plus léché que nous aient offert The Black Keys, en grande partie à cause de l'apport de Danger Mouse à la réalisation de l'album. Turn Blue est en effet extrêmement mélodique et léché, où même les riffs de guitares sont des mélodies en soi (allez écouter par exemple la pièce-titre)! C'est du blues rock très tranquille, au tempo modéré et tout en mezzo forte. Ceux qui aiment les décibels passeront donc leur tour ou écouteront The White Stripes. La pièce la plus échevelée de Turn Blue, si l'on peut dire, est peut-être Fever avec sa ligne de basse accrocheuse caractéristique un rien groovy incitant à la danse. C'est aussi le plus grand succès extrait de l'album mais il ne faudrait pas qu'elle fasse de l'ombre aux autres chansons de Turn Blue car toutes les pièces de cet album sont mémorables et excellentes. Il n'y a rien ici à jeter aux orties, juste des tubes accrocheurs et ultra-mélodiques. The Black Keys terminent leur opus avec Gotta Get Away, un southern rock entraînant tout droit sorti des années '70 qui est aussi dynamique que Fever mais dans un tout autre registre. Cette ultime chanson s'écarte sensiblement du style général de cet album très cohérent parce que présentant une forte unité de style, au point d'être presque un peu trop linéaire. Néanmoins, ce n'est pas ici un défaut car l'imagination mélodique de Danger Mouse et du groupe fait en sorte qu'on ne peut guère s'y ennuyer. Bien au contraire, on a avec Turn Blue un album parfaitement réussi, expressif et parfois mélancolique, toujours agréable et finalement assez extraordinaire dans son genre. Ce blues saura ravir même les gens réfractaires habituellement à ce type de musique. Bref, si le blues contemporain ressemble à Turn Blue, on peut alors dire que le blues se porte vachement bien! Je le recommande sans réserve, un des meilleurs albums rock de 2014 quant à moi. Merci The Black Keys...

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 16/20

BON JOVI - Have A Nice Day

En 2004, les élections présidentielles américaines ont reportées au pouvoir George W. Bush. Il n'en fallait pas plus pour qu'en 2005, Bon Jovi lance son album Have A Nice Day dont la pièce-titre exprime toute la frustration et la rancune du groupe concernant ce choix certes démocratique mais assez discutable. Il faut écouter la chanson avec un second degré car bien sûr, Bon Jovi ne souhaite pas vraiment une bonne journée mais fait plutôt un doigt d'honneur aux Républicains ainsi qu'à ceux qui ont voté pour eux. L'intention est louable mais musicalement très prévisible, l'album Have A Nice Day n'apportant pas grand-chose de neuf dans le ciel bleu de Bon Jovi. Il faut bien le dire, Bon Jovi n'est pas le groupe le plus original au monde, avec sa musique formatée et ses paroles sombrant inévitablement dans les clichés les plus éculés. De plus, le passé glam metal du groupe est assez embarassant à porter sur les épaules et fait de Bon Jovi une formation bien peu intéressante pour le véritable mélomane que je suis. Have A Nice Day est donc un album que j'ai vraiment trouvé nul, avec ses refrains accrocheurs que l'on voit venir à deux kilomètres et ses paroles réellement ineptes. D'un point de vue sonore, c'est un album réalisé sans grande variété dans l'instrumentation, faisant en sorte qu'il est sans relief et tombe à plat. Bon Jovi emprunte pourtant différents styles sur Have A Nice Day, par exemple Who Says You Can't Go Home mélange le style country américain avec le pop rock tandis que la chanson Last Man Standing qui suit immédiatement après retrouve le style metal des années '80 dont Bon Jovi est issu avec Mötley Crüe et Poison dont je critiquais l'album Poison'd! la semaine dernière (voir ma critique de Poison'd! du 24 août 2019). La chanson Bells Of Freedom, farcie de clichés littéraires franchement douteux, rappelle l'époque de Blaze Of Glory, ce qui n'était pas vraiment nécessaire. La chanson Last Cigarette est toutefois la pire du lot, avec sa répétition du mot "cigarette" qui est ridicule et tape sur les nerfs. La chanson la plus saugrenue est malgré tout Complicated où Jon Bon Jovi explique qu'il est quelqu'un de compliqué alors que je le trouve plutôt prévisible, simpliste et finalement assez commun. Bref, je n'ai pas du tout été impressionné par Have A Nice Day qui n'est pas le meilleur de Bon Jovi dans une discographie qui n'est déjà pas très reluisante... À noter que la dernière pièce de l'album est une reprise de Who Says You Can't Go Home en duo avec la chanteuse de Sugarland qui est un groupe que je ne connaissais pas et dont je me fiche éperdument de connaître. En terminant, je me dois de dénoncer cette imposture qui fait de Bon Jovi un des groupes les plus politisés aux États-Unis avec Bruce Springsteen, alors qu'en réalité il est carrément un non-sens d'associer ensemble ces deux artistes. Jon Bon Jovi n'a rien de la stature de Bruce Springsteen et n'a absolument rien de comparable avec ce géant de la chanson américaine. Arrêtez de les confondre et de les combiner tous les deux dans des rassemblements politiques, sinon je vais piquer une crise de nerfs.

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 11/20

POISON - Poison'd!

Lorsque j'ai démarré ce blog il y a huit ans, je ne pensais jamais m'avilir à m'abaisser assez pour écrire une critique d'un album de Poison... C'est pourtant ce que je m'apprête à faire mais j'ai une belle excuse: il n'y a aucune chanson composée par Poison sur cet album de reprises intitulé Poison'd! et paru en 2007! On y retrouve plutôt huit nouvelles reprises de classiques du rock que le groupe affectionne particulièrement, en plus de cinq reprises déjà connues et enregistrées depuis un bon moment déjà. Ces cinq reprises sont placées après les huit autres et la cassure entre les deux groupes est assez marquée. Les huit premières sont plus matures tandis que les cinq dernières, dont la fameuse chanson Your Momma Don't Dance de l'album Open Up And Say... Ahh! qui est là pour nous rappeler que ce n'est pas une composition de Poison, sont beaucoup plus festives et axées sur le party. Écoutez par exemple Rock 'N Roll All Night de Kiss! Les plus intéressantes sont donc les huit premières et on est même surpris d'aimer certains morceaux, très bien rendus et interprétés par Poison. La sélection des chansons y est aussi pour beaucoup puisque l'on a vraiment du rock de qualité: Suffragette City de David Bowie, Dead Flowers par The Rolling Stones et j'en passe... Celle de David Bowie est énergique et assez semblable à la version originale où même la voix de Bret Michaels ressemble à celle du défunt rockeur. Quant à Dead Flowers, on bénéficie d'une version vraiment belle et superbe au point où l'on se demande si c'est bien Poison qui la joue; c'est ma favorite du lot. On a I Never Cry d'Alice Cooper qui est véritablement sensible et digne d'intérêt. On sent que Poison veut être pris au sérieux avec sa maturité nouvelle et son professionnalisme, aussi on doit reconnaître que la pari est gagné pour le groupe glam metal des années '80. Bref, je ne peux pas dire de mal de Poison'd! tant la qualité est surprenante mais manifeste. Bien sûr, les cinq dernières pièces gâchent un peu l'album mais on a tout de même une belle version du classique Squeeze Box composée par The Who alors que We're An American Band de Grand Funk Railroad qui clôture l'album est particulièrement pesante et intense. On ne peut donc pas comparer Poison'd! avec Feel The Steel de Steel Panther par exemple (voir ma critique de Feel The Steel du 13 juin 2015) car la démarche de Poison est sérieuse et respectueuse des œuvres originales qu'il interprète. De toute façon, toutes les chansons de Poison'd! remontent aux années '70 et n'ont donc rien à voir avec le glam metal qui nous a traumatisés dans les années '80. Si j'ai choisi de faire une critique de l'album Poison'd! de Poison, c'est parce que je crois vraiment qu'il s'agit d'un bon album. C'est peut-être même le meilleur album du groupe quant à moi... En tout cas, même si vous n'aimez pas vraiment Poison, vous devriez jeter une oreille attentive à leur album Poison'd! qui n'a rien de ringard mais démontre plutôt qu'il s'agit d'un groupe talentueux et sous-estimé quand il ne s'abaisse pas à nous livrer des pitreries comme Your Momma Don't Dance...!

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 14/20

LIT - Atomic

Au tournant du millénaire, le rock se portait fort mal avec l'arrivée d'une multitude de groupes tous plus médiocres les uns que les autres. Lit est un de ces groupes. Qui se souvient encore aujourd'hui de leur album Atomic paru en 2001? J'aime bien dépoussiérer des albums relégués depuis longtemps aux oubliettes, alors pourquoi ne pas faire une critique de l'infâme Atomic, encore moins mémorable que l'album A Place In The Sun qui avait malgré tout fait connaître Lit à la fin des années '90. En fait, Atomic est le successeur de A Place In The Sun et on aurait donc pu s'attendre à ce que Lit nous offre quelque chose d'un peu plus substantiel. Ce n'est manifestement pas le cas... Voguant sur les différents courants de la mauvaise musique rock en vogue à cette époque frivole de la musique, entre pop punk et rock commercial (c'est-à-dire inepte), Lit n'hésite pas à emprunter la recette du succès éphémère avec un son prévisible qui a un arrière-goût de déjà-vu. Rien ne ressort vraiment de Atomic, qui n'a même pas été capable de produire un tube radiophonique. La seule chanson que j'aime un peu est Lipstick And Bruises, mais c'est bien peu. Le rock stéréotypé de Lit avec l'album Atomic évoque pour moi l'affreuse flopée de groupes glam metal qui sévissaient une décennie plus tôt... On a la même volonté de livrer tout un show, l'attitude grandiloquente des têtes brûlées tout droit sorties de l'an 1991. C'est aussi ringard et superficiel que Warrant ou que n'importe quel autre groupe que Nirvana a tassé pour le plus grand bien du rock! Atomic est tellement minable que je le trouve encore plus minable que l'album Smash Mouth que je critiquais la semaine dernière (voir ma critique de Smash Mouth du 10 août 2019). Bien sûr, on retrouve sur Atomic les indispensables ballades que se doit de comporter chaque album de rock commercial qui sera joué en concert, c'est-à-dire Slip ainsi que Live For This, des chansons mortellement ennuyantes. Le reste de l'album Atomic est plus enlevé, mais avec des tempos relativement contenus, avec des guitares certes saturées mais qui deviennent vite redondantes par le manque de variété dans le son et l'instrumentation. Bref, il ne se passe pas grand-chose sur Atomic et on comprend vite pourquoi il est tombé dans l'oubli. Atomic de Lit est un pur produit de son époque, ce qui nous rappelle à quel point on était tombé bas en 2001, au moment de la parution de cet album exécrable, et que le nouveau millénaire débutait décidément bien mal! Au moins, il y avait encore du rock à cette époque, chose qu'on ne peut même plus dire de la nôtre...

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 10/20

SMASH MOUTH - Smash Mouth

Si l'on se souvient encore aujourd'hui de l'album homonyme que Smash Mouth a lancé en 2001, c'est surtout pour sa belle reprise de la chanson I'm A Believer du groupe des années '60 The Monkees. En effet, Smash Mouth avait déjà entamé son déclin comme tout groupe éphémère qui ne vise qu'à divertir et non à faire réfléchir, ce qui était légion au tournant du millénaire. Il aura fallu attendre trois albums pour que Smash Mouth se décide pour un titre homonyme et c'est le signe de l'essoufflement de son inspiration musicale. Les chansons de l'album Smash Mouth sont certes distrayantes mais on ne saurait leur en demander davantage. À part I'm A Believer, rien de vraiment mémorable ne ressort de Smash Mouth, pas même la chanson Pacific Coast Party dont le clip est très léché et racoleur, nous présentant du bien beau monde sexy et attrayant dans des situations festives et drôlement ineptes (allez voir ça sur YouTube). Smash Mouth semble en panne d'inspiration, comme c'est le cas par exemple de Sister Psychic dont la mélodie est franchement pénible, comme si ça l'avait été fort laborieux de la composer. Le faible intérêt qu'on pourrait avoir pour l'album Smash Mouth ne réside sûrement pas dans ses mélodies mais plutôt dans les arrangements instrumentaux et le style inspiré des années '60 comme c'était le cas des deux albums précédents de Smash Mouth. Bien sûr, on ne peut pas dire que Smash Mouth soit un grand groupe mais il avait tout de même développé une formule musicale intéressante à la fin du siècle dernier, notamment avec sa chanson Walkin' On The Sun qui les a fait connaître. En outre, Smash Mouth a toujours eu un petit côté expérimental dans sa musique et c'est le cas aussi de l'album Smash Mouth, surtout avec sa pièce Keep It Down. Cette touche de rock progressif semble évidemment inspirée par les années '60, notamment par l'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band du célébrissime groupe The Beatles qui a évidemment aussi influencé The Monkees (voir ma critique de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band du 26 novembre 2011). Il y a enfin quelque chose de magique dans la musique de Smash Mouth qui fait en sorte que j'aimerais bien pouvoir les détester mais qui me fait craquer à tout coup. L'album Smash Mouth ne fait donc pas exception à la règle, fort heureusement, mais il faut aussi reconnaître que c'est quand même un recul musical pour le fameux groupe californien. Effectivement, la blague a assez duré et après trois albums, il devient manifeste que le groupe tourne en rond et ne va nulle part. Même s'il y a eu d'autres albums par la suite, Smash Mouth est le chant du cygne de Smash Mouth et on ne peut qu'admettre que c'est une bien triste fin pour un groupe qui aura marqué les années '90 au fer rouge avec ses acolytes de Sugar Ray et de Crazy Town...

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 12/20

KID ROCK - The History Of Rock

C'est la fiesta sur mon blog! Sortez le champagne tout le monde! En effet, on fête la 400e critique de CD avec cette critique-ci consacrée à cette merde qu'est la compilation de rap metal de Kid Rock parue en l'an 2000! Je ne me contiens plus. Pourquoi avoir choisi The History Of Rock? Parce que ma 200e critique a été écrite pour l'exécrable album Happy Hour de l'ami Uncle Kracker (voir ma critique de Happy Hour du 27 juin 2015). Comme on sait que Uncle Kracker est un bon ami de Kid Rock et que j'ai doublé le nombre de critiques depuis Happy Hour, il fallait bien que je choisisse un album de Kid Rock pour ma 400e. J'ai donc choisi le pire. C'est logique, non? Après l'incroyable succès de son album Devil Without A Cause de 1998, un album que je n'ai jamais critiqué et que je n'ai pas non plus l'intention de critiquer un de ses jours (The History Of Rock est mon premier album de Kid Rock que je critique et ce sera assurément le dernier aussi), le chenapan a cru bon de nous ressortir ses vieilles chansons rap pour nous montrer d'où il vient. Et je puis vous dire qu'il vient de très loin... L'extrême indigence musicale et littéraire de ses pièces de musique nous fait dire que ce n'était vraiment pas nécessaire! La vulgarité du discours, chose malheureusement répandue dans le rap, atteint sur The History Of Rock des sommets vertigineux. Par exemple, sur la chanson Paid, on peut tristement entendre la choriste chanter "Fuck Me Fuck Me Baby All Night Long"... Non seulement c'est dégradant pour la chanteuse qui est obligée de chanter ces paroles humiliantes, mais en plus c'est mauvais artistiquement. Du moins, cette chanson porte très bien son titre puisque il a sûrement fallu payer très cher la choriste pour qu'elle accepte de se soumettre. Kid Rock ne semble pas avoir une très haute estime de la femme, comme on peut le voir dans l'horrible clip misogyne et abrutissant de la chanson American Bad Ass que l'on retrouve également sur The History Of Rock. La pièce reprend un échantillonnage d'un classique de Metallica et il est impensable que le célèbre groupe thrash metal ait accepté de vendre ainsi sa musique au diable... Il est vrai que depuis l'épisode de Napster, on sait que Metallica est très près de ses deniers... The History Of Rock mélange par ailleurs le rock au rap sur des pièces telles que Dark & Grey ou encore Fuck That comme on peut s'attendre d'un artiste de rap metal de la fin des années '90 mais le rap demeure la dominante de cet album fait par un Blanc, c'est-à-dire plutôt ringard. Car à part les Beastie Boys et Eminem, il n'y a pas vraiment de Blancs qui aient produit de musique rap crédible et convaincante. Bon, d'accord, il y a peut-être aussi Macklemore. Mais certainement pas Fred Durst ou encore Kid Rock! Il faut plus que pousser des jurons et être odieux pour être un bon rappeur. Kid Rock me fait un peu penser à Steel Panther dont j'avais critiqué l'album Feel The Steel dans un moment d'égarement de ma part (voir ma critique de Feel The Steel du 13 juin 2015) pour les propos grossiers et indécents, sauf que Steel Panther était une blague, d'un goût douteux certes, mais une blague tout de même. Il est assez troublant de voir que Kid Rock se prenne au sérieux dans son personnage de redneck et de pimp sans éducation et stupide... Kid Rock partage le même public que celui de Donald Trump pour qui la réussite sociale passe par le narcissisme, le crétinisme et le sexisme. Rendu à ce stade, on n'a plus envie de rire du tout...

COTE D'APPRÉCIATION PERSONNELLE: 3/20